Các phương tiện và các khu vực khác nhau đều yêu cầu tốc độ khung hình khác nhau vì nhiều lý do. Tuy nhiên, số lượng khung hình mỗi giây bạn quyết định đưa ra cho ảnh của mình cũng có thể thay đổi đáng kể diện mạo dự án của bạn và những gì bạn có thể làm với các cảnh quay.
Tốc độ khung hình là gì?
Tốc độ khung hình (khung hình/giây – fps), là một thuật ngữ được sử dụng để mô tả có bao nhiêu khung hình sẽ tạo thành một giây của một hình ảnh chuyển động.
Nếu chúng ta đưa clip này vào phần mềm chỉnh sửa của mình và kéo dần từng khung hình, chúng tôi sẽ ở lại với hai mươi bốn khung riêng lẻ này – mỗi khung hình đại diện cho 1/24 của 1 giây.
Thuật ngữ “khung hình mỗi giây”, có thể cảm thấy hơi cổ xưa đối với việc làm phim kỹ thuật số, nó có nguồn gốc từ celluloid (phim 8 mm, 16mm, 35mm) và chi tiết có bao nhiêu khung hình sẽ được hiển thị mỗi giây. Mặc dù máy ảnh kỹ thuật số không sử dụng phim, nhưng chúng xử lý từng khung hình tương tự nhau, và như vậy, thuật ngữ này có thể hoán đổi cho nhau bằng cả celluloid và kỹ thuật số.
Không giống như tốc độ màn trập, nơi dường như có rất nhiều tốc độ để lựa chọn, với khung hình mỗi giây, các cài đặt thường tuân theo một bộ tiêu chuẩn và thông thường, bạn sẽ có thể chọn từ lựa chọn nhỏ: 23.976, 24, 25, 29.97, 30, 48, 50, 59.94 và 60.
Con người thường có thể nhận ra mười đến mười hai khung hình là những hình ảnh riêng lẻ có thể nhận dạng được. Tuy nhiên, ngay khi có nhiều hình ảnh trôi qua trong giây đó, khoảng cách giữa mỗi hình ảnh sẽ rút ngắn và bộ não của chúng ta nhận ra hình ảnh là chuyển động. Đầu những năm 1900, không có tốc độ khung hình tiêu chuẩn, nhưng điều quan trọng là các hãng phim phải giữ tốc độ khung hình thấp vì tốc độ khung hình cao hơn đòi hỏi phải sử dụng nhiều phim hơn.
Mặc dù không có lý do cụ thể nào về lý do tại sao chúng ta bắt đầu ở tốc độ 24 khung hình/giây, chúng ta có thể kết luận lý do chính là toán học và âm thanh ghi.
Tốc độ khung hình cho phim
24fps được chấp nhận phổ biến như là tiêu chuẩn cho tốc độ khung hình “điện ảnh”. Tuy nhiên, một vài nhà làm phim thử nghiệm, sáng tạo đã bắt đầu khám phá các lựa chọn của họ.
Mặc dù Jackson đi sâu vào định dạng 48fps nhận được phản hồi trái chiều, một số nơi đã từ bỏ việc kiểm tra ranh giới tốc độ khung hình. James Cameron được cho là đang quay phần tiếp theo Avatar sắp tới của mình ở tốc độ 48fps, và Ang Lee gần đây đã quay Gemini Man với tốc độ 120fps (một lựa chọn gặp phải không ít chỉ trích).
Cuối cùng, mặc dù có nhiều tốc độ khung hình khác nhau để quay, hầu hết các máy chiếu kỹ thuật số và dịch vụ truyền phát tại nhà đều có thể đáp ứng, lý do tại sao phim bị bỏ lại ở 24fps là vì cái nhìn đặc biệt chỉ đơn giản là thứ mà chúng ta thường sử dụng.
Tốc độ khung hình cho video và truyền hình
NTSC: 30 khung hình/giây, 60 khung hình/giây
PAL: 25 khung hình/giây
Tiêu chuẩn của Mỹ cho video từ lâu đã là 30 khung hình/giây, mặc dù nó 29,97 (xem các khung hình bên dưới để giải thích) cho truyền hình phát sóng. Ba mươi khung hình mỗi giây đã được chọn để đồng bộ hóa lý tưởng với tiêu chuẩn năng lượng 60Hz của Hoa Kỳ. Định dạng này được gọi là NTSC. Ở châu Âu, tiêu chuẩn video là 25 khung hình/giây do tiêu chuẩn năng lượng 50Hz. Định dạng này được gọi là PAL. Video trực tuyến thường được tải lên ở tốc độ 30 khung hình/giây – và đôi khi thậm chí ở tốc độ 60 khung hình/giây cho nội dung nặng về hành động.
Drop-Frame Timecodes
23.976fps, 29.97fps, 59.94fps
Khi Tivi màu lần đầu tiên được giới thiệu, tín hiệu bổ sung cung cấp mức độ màu và độ bão hòa – được gọi là Color Subcarrier- gây ra nhiễu với các TV đen trắng hiện có ở dạng tĩnh nhìn thấy được. May mắn thay, làm chậm tốc độ khung hình xuống 29,97 đã loại bỏ điều này. Phát sóng ở định dạng 29.97 đã trở thành tiêu chuẩn công nghiệp. Định dạng này được gọi là Drop-Frame, trong khi 30fps sẽ được gọi là Non-Drop-Frame.
Để bù cho tốc độ khung hình này, Drop-Frame’s timecode phải bỏ qua các khung 00 và 01 mỗi phút một lần, ngoại trừ bội số của mười phút. Ngoài ra còn có các biến thể Drop-Frame 24fps và 60fps. Mặc dù điều này nên được ghi nhớ khi làm việc với bất kỳ nội dung video nào, nhưng điều đó rất quan trọng trong video phát sóng.
Tốc độ khung hình cho nội dung trực tuyến
Nội dung trực tuyến, chẳng hạn như video trên YouTube và Facebook, không cần phải tuân thủ các thông lệ về tiêu chuẩn truyền hình, và tương tự, họ cũng không cần phải tuân thủ tốc độ khung hình điện ảnh.
“Nội dung phải được mã hóa và tải lên bằng cùng một tốc độ frame rates đã được sử dụng trong khi ghi. Tốc độ khung hình phổ biến bao gồm: 24, 25, 30, 48, 50 và 60 khung hình mỗi giây (tốc độ khung hình khác cũng được chấp nhận).
Điều này sẽ thuộc về loại nội dung mà bạn tạo ra. Nếu bạn quay vlog du lịch và muốn ghi lại bầu không khí điện ảnh, bạn có thể muốn chạy với 24fps hoặc 25fps. Nếu bạn có thể vlog hoặc quay hành động có nhịp độ nhanh, bạn sẽ muốn chạy với tốc độ khung hình cao để loại bỏ mờ từ tốc độ khung hình chậm hơn.
Có nhiều chi tiết kỹ thuật hơn về cách hoạt động của tốc độ khung hình, nhưng với kiến thức này, ít nhất bạn có thể xác định chúng và chọn cái nào phù hợp với dự án hiện tại của bạn.
Sáng tạo trong chỉnh màu có thể thay đổi mạch truyện và tạo ra sự kết hợp trực quan rõ ràng giữa tốt và xấu, giàu và nghèo, thành công và thất bại.
Nhiều khán giả không biết gì về việc các Colorist đóng vai trò nòng cốt trong việc giúp phát triển câu chuyện của một bộ phim. Chúng giúp thu hút người xem mắt đến một khía cạnh cụ thể cảnh. Họ khuếch đại một đặc điểm tính cách bằng cách thêm một lớp màu cho một nhân vật nhất định. Họ cũng có thể giúp thiết lập danh tính của một bối cảnh.
Có hai bộ phim hấp dẫn mà tôi rất thích xem gần đây. Trong cả hai phim, cách sử dụng màu trong quay phim đã đóng một vai trò cơ bản trong việc xây dựng ý thức về vị trí trong tâm trí người xem. Những bộ phim này là The Spy và White Lines.
The Spy
The Spy là một sê-ri Netflix hấp dẫn, dựa trên một câu chuyện có thật. Eli Cohen (do Sacha Baron Cohen thủ vai) là một điệp viên Israel có nhiệm vụ thâm nhập vào Chính phủ Syria. Ông sống hai cuộc sống riêng biệt – một ở Syria và một ở Israel.
Việc chỉnh màu trên The Spy rất ấn tượng. Nó hoạt động đồng nhất với các khía cạnh khác của quy trình sản xuất để giúp thiết lập hai thế giới riêng biệt này. Các Look được sử dụng cho các thế giới riêng biệt, khác biệt với nhau. Đạo diễn chia đôi màn hình hiển thị Eli ở Syria, trong khi vợ Nadia (Hadar Ratzon Rotem) trở về nhà ở Israel.
Các lớp màu trong các cảnh ở Israel là vô cùng bão hòa. Rất ít màu sắc có thể nhìn thấy và đôi khi, nó gần như có thể bị nhầm lẫn khi nghĩ rằng được quay đen trắng. Những nét chạm nhỏ phức tạp đã được colorist tạo ra để duy trì một số khía cạnh của màu sắc bằng cách khóa các phần nhất định của hình ảnh.
Trong nhiều trường hợp, các khuôn mặt trong các cảnh được che phủ một phần trong bóng tối, đó rõ ràng là một sự lựa chọn ánh sáng được củng cố trong việc chỉnh màu về sau. Vô số họa tiết được sử dụng trong suốt những cảnh này, cho phép đạo diễn thu hút người xem mắt đến nơi mà anh ta muốn nhìn.
Israel là một quốc gia nghèo và đang phát triển tại thời điểm của câu chuyện này, mà đạo diễn truyền đạt thông qua sự lựa chọn màu sắc đặc biệt này. Việc thiếu màu sắc giúp truyền tải sự thiếu hụt của cải trong nước tại thời điểm đó. Cái nhìn này cũng có một số điểm tương đồng với giao diện cổ điển của Flashback hồi tưởng. Xuyên suốt bộ phim, những cảnh quay ở Israel bắt đầu gợi lại một trong những cảnh hồi tưởng, khi chúng thoáng qua về cuộc sống cũ của Eli. Đây có phải là cố ý? Khó có thể nói chắc chắn.
Tuy nhiên, đối với các cảnh quay ở Syria, người ta có thể quan sát màu sắc bão hòa, color grading rực rỡ hơn nhiều. Cái nhìn này giúp nhấn mạnh một cách tinh tế bản chất mới, sang trọng của cuộc sống xa nhà.
Phong cảnh đẹp, quần áo đầy sắc màu, nội thất trang nhã của căn hộ xa hoa của anh ta – tất cả đều được hiển thị rực rỡ bằng cách sử dụng lựa chọn màu này. Là một điệp viên ở Syria, Eli đang hòa nhập với giới thượng lưu về tài chính, và những lựa chọn màu sắc phong phú hơn này mô tả một cách hiệu quả thế giới giàu có mà anh ta hiện đang đắm chìm.
Cái nhìn bóng bẩy, rực rỡ hơn này giúp làm nổi bật nhân vật bóng bẩy, sôi nổi mà Eli đang giả vờ. Trong suốt loạt phim hấp dẫn này,màu sắc được thực hiện một cách tuyệt vời, giúp tăng cường cốt truyện mê hoặc.
White Line
Một loạt những tuyệt vời khác sử dụng chỉnh màu để giúp biểu thị một bối cảnh là White Lines. Chương trình này đã nhanh chóng trở nên nổi tiếng, sau khi được phát hành trong thời gian vào tháng 5 năm 2020. Nó theo nhân vật chính Zoe Walker (do Laura Haddock thủ vai) khi cô bỏ lại cuộc sống đầy thầm lặng ở Manchester để điều tra về cái chết của anh trai mình ở Ibiza. Hầu hết các cảnh quay được đặt ở hai địa điểm này.
Thiên đường đầy nắng của Ibiza trái ngược hoàn toàn với mưa của Manchester. Các màu sắc được đạo diễn lựa chọn khéo léo cho hai cài đặt này nhấn mạnh những đặc điểm này. Cốt truyện cốt lõi của sê-ri này dựa trên việc trốn thoát một địa điểm này sang địa điểm khác, do đó, điều cần thiết là Ibiza có vẻ xứng đáng để trốn thoát. May mắn thay, một Colorist có tay nghề cao – Thomas Urbye – đã thực hiện ý tưởng chạy trốn khỏi Manchester vì Ibiza cực kỳ hấp dẫn.
Cái nhìn ấm áp, bão hòa được áp dụng cho các cảnh trong Ibiza (ở trên) truyền tải một thế giới của mặt trời luôn chiếu sáng vô cùng quyến rũ với ai đó đang tìm kiếm một lối thoát. Nhiều hình ảnh hiển thị tông màu cam, giúp thêm vào hình ảnh bình dị của địa điểm này. Sự tương phản và bão hòa mạnh mẽ giúp phản ánh cường độ hoang dã của văn hóa đảo. Giống như Zoe, người xem gần như quên đi trách nhiệm gia đình của mình, vì họ đã quá mải mê với thế giới mới này, (một phần nhờ vào màu sắc).
Cái nhìn được sử dụng trong Ibiza được gọi là orange and teal, một cái nhìn mang đến sự nổi tiếng của đạo diễn Michael Bay trong các bộ phim Transformers. Bạn tạo ra nó bằng cách đẩy teal vào shadows và orange vào phần highlights. Bởi vì màu orange và teal nằm ở hai đầu đối diện của bánh xe màu, kết quả hình ảnh có độ tương phản cao là kết quả.
Thế giới Manchester đã được tạo ra bằng một cái nhìn rất khác (hiển thị bên dưới). Một cảm giác ít bão hòa hơn, mát hơn đã được áp dụng, truyền tải không chỉ khí hậu ôn hòa hơn, mà còn là một lối sống ít lôi cuốn hơn. Đạo diễn cố tình sử dụng các màu sắc rõ ràng khác nhau này để giúp hỗ trợ cốt truyện trung tâm được xây dựng xung quanh ý tưởng trốn thoát.
Màu sắc tốt không chỉ làm tăng vẻ bề ngoài của sản phẩm. Như thể hiện trong cả hai bộ phim, nó có thể đóng một vai trò không thể thiếu trong quá trình phát triển cốt truyện. Lần tới khi bạn bắt đầu chỉnh màu, tại sao không nghĩ về các bối cảnh quan trọng trong video của bạn? Làm thế nào cái nhìn bạn có thể cho điều đó ảnh hưởng đến cốt truyện? Cân nhắc những lời khuyên này sẽ giúp bạn đưa việc chỉnh màu của mình – và kể chuyện – lên một tầm cao mới.
Rất nhiều lời khen ngợi đã dành cho dòng sản phẩm Pocket Cinema Camera của Blackmagic Design, đặc biệt kể từ khi phát hành các mẫu 4K và 6K. Phần lớn điều đó là do các mức giá phải chăng trong khi vẫn mang lại chất lượng hình ảnh thô đặc biệt.
Một trong những lý do chính mà Werlin ủng hộ The One LUT là vì cách nó được phát triển. James Ballard đã lấy cả Pocket 4K và ARRI ALEXA và quay chúng cạnh nhau.
Sau đó, anh ta lấy đoạn phim đó, ghép màu nó và tạo LUT cho Pocket 4K, nó rất gần với ALEXA với những thước phim đẹp, màu sắc bão hòa độc đáo.
Nhìn vào các cảnh quay mẫu của Werlin và các phần trước/sau, ngay cả khi đó không phải là một sự hoàn hảo thì đó cũng là một điểm khởi đầu tuyệt vời. Chuyển đến DaVinci Resolve, Werlin cho chúng ta thấy cách anh ấy áp dụng The One LUT cho các cảnh quay của mình.
Để bắt đầu, Werlin đã ghi lại cảnh quay của mình trong Blackmagic RAW, đây là lựa chọn tốt nhất để linh hoạt tối đa trong quá trình chỉnh màu. Sau khi đưa nó vào DaVinci, anh ấy đã chọn Rec.709 làm không gian màu trong camera raw menu. Điều duy nhất anh làm với đoạn phim là chỉnh sửa cân bằng trắng.
Hầu hết các chuyên gia điện ảnh và video đều quen thuộc với Roger Deakins. Nếu vì lý do nào đó mà bạn không chắc chắn về thành tựu của anh ấy thì Roger Deakins đã giành được rất nhiều đề cử Oscar cho tác phẩm của mình cho các bộ phim như Shawshank Redemption, A Beautiful Mind, Skyfall và gần như mọi bộ phim Coen Brothers kể từ Barton Fink và gần đây nhất là 2 tượng vàng Oscar danh giá với Blade Runner 2049 và 1917.
Deakins thích kết nối với các nhà quay phim khác và đưa ra lời khuyên bất cứ khi nào anh ta có thể. Anh ấy thực hiện hầu hết điều này thông qua trang web của mình, nơi anh ấy trả lời các câu hỏi và đưa ra lời khuyên, thủ thuật. Các nhà quay phim từ khắp nơi trên thế giới đổ về trang web của anh ấy với hy vọng tìm hiểu thêm về nghề của họ.
Chúng tôi đã rút ra một vài lời khuyên điện ảnh yêu thích của mình ngay từ những lời nói của anh ấy. Chúng tôi tin rằng những lời khuyên hữu ích này sẽ hỗ trợ bạn khi bạn bắt tay vào công việc của mình hoặc lần sản xuất tiếp theo.
Học cách chọn lọc
Trước khi bạn bắt đầu một dự án mới, hãy chắc chắn rằng dự án này thực sự là thứ bạn muốn thực hiện. Hãy chắc chắn rằng nó có một cái gì đó mà bạn tin tưởng. Hãy chọn lọc với bất kỳ dự án nào bạn tham gia, bởi vì như Roger Deakin đã đề cập trong bài viết này từ BBC, bạn sẽ tham gia dự án này trong một thời gian dài.
“Tôi luôn kén chọn về “nguyên liệu” tôi muốn làm việc cùng, luôn luôn thế. Nhưng thông thường tôi vẽ các kịch bản nói về các nhân vật, tôi không thích làm phim hành động. Điều thực sự quan trọng là chọn những dự án bạn sẽ làm việc cẩn thận. Bạn sẽ tham gia một bộ phim trong một thời gian dài.”
Tầm quan trọng của ánh sáng
Ánh sáng là vua cho các nhà quay phim. Cách bạn chiếu sáng một cảnh ảnh hưởng rất lớn đến cách khán giả phản ứng với cảnh đó. Trên thực tế, Roger Deakins nói rằng ánh sáng tuyệt vời bắt đầu từ kịch bản. Hãy ghi nhớ điều này khi chọn màu sắc và ánh sáng của bạn. Thảo luận về cảnh đó với đạo diễn và tìm hiểu những gì họ muốn khán giả đạt được từ cảnh đó.
“Vì vậy, một mặt, bạn cần chiếu sáng một không gian để bạn có thể nhìn thấy các diễn viên – nhưng, hơn thế nữa, bạn đang tạo ra một tâm trạng, bạn đang tạo ra một thế giới cho những diễn viên đó sinh sống và để khán giả chìm đắm trong Ánh sáng là một trong những khía cạnh quan trọng nhất của bất kỳ bộ phim tuyệt vời nào.
Nắm lấy thời cơ với phim tài liệu
Khi làm việc với phim tài liệu, bạn phải nhanh chân. Bạn đã tìm thấy hành động và đóng khung nó tại bất kỳ thời điểm nào. Đây chắc chắn là điều đã hỗ trợ Roger Deakins trong suốt sự nghiệp của mình.
“Bạn làm việc với ánh sáng có sẵn và tạo ra thứ gì đó với những gì bạn có trong tay. Nó dạy bạn làm thế nào để nhanh chóng trong việc thiết lập khung hình và tìm góc và đọc những gì mà xảy ra – đọc nhanh sự phát triển của những gì diễn ra trước mặt bạn.”
Ở lại với nhân vật và câu chuyện
Không phải tất cả các shot cần làm cho khán giả “há hốc miệng” vì sự thành thạo về kỹ thuật hoặc một điều gì đó. Đôi khi bạn cần quay về những điều cơ bản, cho phép các nhân vật và câu chuyện dẫn dắt lời kể và giữ cho khán giả tham gia.
“Ở đó, không có gì tồi tệ hơn một cảnh quay phô trương hoặc một số ánh sáng thu hút sự chú ý vào nó, và bạn có thể đi, ‘Ồ, wow, đó là một điều ngoạn mục”. Hoặc shot ngoạn mục đó, một cần cẩu lớn di chuyển, hoặc một cái gì đó. Nhưng nó không phù hợp với bộ phim, bạn nghĩ về bề mặt, và bạn không ở lại đó với các nhân vật và câu chuyện.”
Đừng dàn xếp phần thể hiện
Đây thực sự là một phần mở rộng của mẹo trước đó, nhưng nó rất quan trọng đến nỗi nó cần vị trí riêng trong danh sách. Ý tưởng chính: Đừng thỏa hiệp cách diễn xuất của diễn viên để có một cảnh quay hoàn hảo.
Thay vào đó, hãy nắm bắt diễn xuất mà diễn viên mang lại cho bạn theo cách tốt nhất bạn có thể. Bạn có thể tìm thấy (như Deakins đã đề cập trong các cuộc phỏng vấn trước đây) rằng một màn trình diễn tuyệt vời có thể che giấu một shot tồi.
Nhà làm phim huyền thoại Terrence Malick có tiếng trong việc làm phim theo kiểu đề cao diễn xuất. Anh và nhà quay phim Emmanuel Lubezki cho phép các diễn viên trong The Tree of Life được tự do đi vào diễn xuất của họ, và đó là nơi họ sẽ ghi lại những thước phim họ cần. Trong khi một số cảnh được dựng thành kịch bản, hầu hết các cảnh quay đều được thực hiện theo phong cách rất điện ảnh.
Tìm phong cách của bạn
Nó có khả năng có một hoặc hai nhà làm phim bậc thầy mà bạn hoàn toàn yêu thích, nhưng hãy chắc chắn rằng bạn không sao chép những gì các nhà làm phim đó làm. Kết hợp các kỹ thuật của họ vào phong cách của riêng bạn trong khi tìm kiếm tiếng nói điện ảnh của chính mình.
“Bạn không thể học hỏi nghề bằng cách sao chép tôi hoặc bất cứ ai khác. Tôi hy vọng những gì tôi làm có thể làm là bằng cách nào đó truyền cảm hứng cho người khác nhưng tôi sẽ kinh hoàng nếu công việc của tôi đang được nghiên cứu là “cách đúng đắn để thực hiện công việc”.
- Kỹ thuật quay phim: https://seotukhoa.com.vn/
- Phương pháp blackmagic raw, cắt giảm video phỏng vấn cách quay và sử dụng slow motion.